中国画以画中有诗,诗中有画的独特风格

什么是中国画的“诗情画意”？简单来说，就是一幅国画作品里要蕴含诗歌的情感、情趣和情怀，并把它们运用绘画语言转化成具有美感的画面形式，体现出不同艺术趣味的意境，从而引发欣赏者的联想和思考。

“诗言志”是历代诗人和理论家对诗歌的基本要求和认识，就是说在诗歌中一定要表现出人生志向，是诗人托物言志后发自内心的思想情感和精神趣味。

中国画按照审美趣味的不同，分为匠人画、院体画和文人画。

匠人画主要由民间画师创作，以实用性为主，凡是民间以装饰为目的的绘画，如，屏风画、雕梁画栋、箱柜上的漆画，等等，都属于匠人画。

院体画在本质上也属于匠人画，以宫廷生活为题材，是为了满足皇室的审美趣味。

“文人画”由唐代大诗人王维开创，唐朝之后，经过苏轼、文同、米芾等文人的发扬，到元代时，文人画走向高峰，逐渐成为中国画的主流。

创作“文人画”的初衷，是为了构建国画作品的内涵，一些具有高深文化修养的画家，借鉴诗歌的修辞方式，把象征、隐喻、拟人、夸张、对比等诗歌中的修辞手法应用到国画创作中，逐渐开创出“文人画”。

文人画之所以能在元代能走上高峰，是因为元朝消灭南宋后，原来南宋的一批文人士大夫为了彰显民族气节，用绘画直抒胸臆，表达自己的苦闷心情，往往会给画中物象加入主观情感，表达宁死不屈的节操。

也是在这时，梅、兰、竹、菊、荷、松、柏等题材成为画家的最爱，在画家们看来，这些物象不畏严寒，也不同流合污，一身傲骨，具备高洁、坚贞、顽强的品性，能彰显高贵的气节。许多画家在给自己起字号时，都会带上它们的名字。

一个个文人画家不但画它们，还会在画中题诗，歌颂它们的高贵品质，就这样，诗歌和绘画在形式上自然而然被结合起来。

诗情画意的深层结合，无非就是用国画的构图形式来体现诗歌的意境，确切来说，就是用具象的画面来表达出抽象和含蓄的意境，留给观者足够的想象空间。

比如，宋徽宗时期主持了一场殿试，为了给国家画院“翰林图画院”筛选人才，他出了《深山藏古寺》的命题作画的考题。

其中，一个考生根据自己的理解，在画面的近景画出一条小溪，小溪旁有一个僧人正在打水。一条蜿蜒的山路，在树林和山石里若隐若现，从画面的近景一直延伸到远景。

宋徽宗看后拍手叫好，认为这幅画的意境很高，虽然没有直接画出寺院，却用和尚打水间接说明附近山里一定有寺院。

可见，国画如果能跟诗意完美结合，同样能表达出深刻的趣味。

山水田园，人生，自己去品，细品